Programmation septembre 2022 - février 2023 dans les Musées - Musées de Strasbourg
Nourri de toutes les formes figuratives du Moyen Âge, Giotto joua un rôle historique : il porta à maturation le processus de renouvellement du langage pictural italien. Ses œuvres seront un modèle et une source d'inspiration pour les artistes de la Renaissance.
Avec les fresques de la Basilique d’Assise, peintes entre 1296 et 1300, il opère le dépassement définitif des formes abstraites de l'art byzantin pour un nouveau langage centré sur une représentation plus concrète de l'espace et de la figure humaine.
Considérée comme issue de l'atelier de Giotto, la fortune critique de cette œuvre est riche de rebondissements : la difficulté à reconnaître avec précision l'identité d'une main est due à l'influence très forte de Giotto sur les élèves sortis de son atelier.
Le schéma iconographique de cette Crucifixion deviendra rapidement un grand classique des ateliers toscans de la première moitié du Trecento, qui transcriront la scène indifféremment à fresco ou sur panneau. Le critique Roberto Longhi a remarqué dans la Crucifixion de Strasbourg un procédé perspectif souvent utilisé dans les œuvres tardives de Giotto : la diminution des proportions des personnages de l'arrière-plan.
On peut distinguer deux grandes périodes dans l'œuvre de Botticelli. Entre 1470 et 1485, il élabore un langage exprimant une tension vers l'imaginaire cherchant à transformer la réalité en un mythe de beauté selon les principes du néo-platonicisme. Ensuite, sous l'influence de la condamnation de la culture classique et profane de son temps par Savonarole, il donna à ce même langage une tonalité spirituelle non dénuée de violence.
Son œuvre est marquée par un grand dynamisme et la recherche d'effets plastiques exprimés avec clarté et légèreté.
La Vierge à l'enfant et aux deux anges est attribuée à Botticelli par l'ensemble de la critique, à l'exception de Bernard Berenson, qui la considère comme une version d'atelier. Tous les auteurs s'accordent à dénoter dans cette œuvre un attachement très fort à Filippo Lippi, maître de Botticelli jusqu'en 1469. D'autres auteurs, en particulier Salvini, ont souligné les forts accents de Verrocchio, présents dans le dessin spécifique des lèvres de la Vierge et le raffinement du vêtement de l'ange.
Ce type de composition connaîtra un grand succès dans la Florence de la deuxième moitié du XVe siècle et l'utilisation de certains motifs (le livre posé sur le muret, le vase et les roses) sera largement reprise. L'enfant, plutôt lourd, aux traits peu délicats et d'une expression disgracieuse, est peu fréquent dans l'œuvre de Botticelli et ne se retrouve guère que dans la Madonna Bardi de Berlin, généralement datée vers 1485.
Comme la plupart des œuvres des "primitifs italiens" du Musée de Strasbourg, ce Botticelli a été acquis par Wilhelm Bode, directeur des musées de Prusse ; grand connaisseur de l’art italien, qui avait été chargé de reconstituer les collections du musée après son incendie (le musée se trouvait à l’Aubette) durant la guerre de 1870.
Fondée en 1832, la Société des amis des arts de Strasbourg (aujourd’hui Société des Amis des Arts et des Musées) s’engagea dès l’abord dans une politique d’acquisition d’œuvres d’artistes contemporains. Qu’elle ait eu le discernement de s’adresser en 1863 à J.-B. Camille Corot, et de lui acheter cet Étang de Ville-d’Avray, œuvre importante du maître tant par son format que par sa qualité, s’avéra rétrospectivement l’acte le plus brillant de cette politique et la preuve tangible de sa validité.
Fleuron de la collection de la Société, l’Étang de Ville-d’Avray fut confié en dépôt au Musée des Beaux-Arts puis offert en 2002. Il reste aujourd’hui l’une des œuvres majeures de l’ensemble de peinture du XIXe siècle que présente le musée, dont celles de Courbet, Delacroix, Th. Rousseau et Chasseriau.
Canaletto, peintre vénitien renommé, s’est surtout adonné au genre pictural de la veduta. Ce type particulier du paysage, centré sur la représentation d’une vue de ville, tend à rendre avec précision la réalité, sans pour autant que l’œuvre soit dénuée d’une certaine poésie rendue par la transparence lumineuse.
Canaletto privilégie la représentation des sites et monuments célèbres de la ville de Venise ou de sa lagune et reprend souvent le même sujet dont il donne de multiples variantes.
Le tableau, grâce au support, rayonne de clarté et de luminosité. L’éclairage venant du sud-ouest indique une heure déjà avancée dans l’après-midi et la peinture lisse et fluide donne un effet d’"après la pluie".
Canaletto, à destination des riches touristes anglais, rend compte également de la vie quotidienne à Venise, à proximité du Grand Canal : les gondoliers, la présence de marchands, des diplomates venus d’Orient…